《录音室是我的乐器》

这次讲的话题比较技术性，是有关于录音技术。当音乐开始流传大众的时候，录音技巧便不能被忽视。为了让大家可以随时聆听音乐，早期（三四十年代）的录音只是简单的收音而已。但是人类创意无限，当我们掌握了一种技术，便会产生不同的使用分支。于是，有者用它做不同的声音实验，有者用它研制最佳录音（既所谓的“天碟”），有者用它作为击败竞争者的工具等等。从此，录音便不简单了。

其中录音技术带来的后遗症，最为出名的是“音量战争”（Loudness War）。这种情况在摇滚音乐界尤为严重。一般的录音师，为了要提升专辑的音量，普遍的做法是将作品的声音进行压缩（Compression），然后再将输出量(Output Gain）提高。这种做法无疑能够将细微的声音放大，并提高整体的音量。而且，一般人都认为音量大就是音质好（其实不然）。所以，各方的录音师都相争地提高专辑音量。这种无限制的音量提升，犹如一场另类战争，力求本身的作品音量高于对手。无限的录音野心，导致音乐的原味开始失真。我们不禁开始想，这是音乐原本的意愿吗？所以，资深的乐迷会选择听黑胶唱片，因为它们的声音比较诚实。

这样看，似乎现在的录音技术弊多于利。其实不然，只要将录音野心放下，单纯专注作品水准，而非竞争上，录音技术其实非常有进取的。终归一句，抛开匠气和野心即可。我尤其欣赏近代的美国录音师Steve Albini（也是独立乐团大腕Shellac,Big Black和Rapeman的主脑）。此君的录音技术不在话下，而且作风相当开明及深具社会主义。他严厉批评当今商业录音室的操作，并以身作则用相当廉价的收费（相对他现在的音乐地位）帮乐队录制音乐。他给乐队绝对的自由度，鲜少给乐队音乐上的意见。他说道：“如果叫我给乐队一些音乐上的意见，就等于叫我教你如何操你的女友，这是非常不礼貌的。”

到了比较偏激的例子，一些音乐人甚至舍弃录音的效果（其中以实验派音乐人为多）。他们不相信录音作品能够完整地呈现他们的作品。对他们而言，录音技巧不过是一种花巧的玩意儿。所以，吴利光（马来西亚声音艺术家）在他的后期作品（如《Good Vibration》）便开始有如此倾向，并在专辑封套标明“no pre-programing, no on-going effect，no overdub”，实务要求作品的高纯度，也是对录音技术的示威。

总得来说，录音技术犹如一把两边锋利的刀刃，它可以蒙蔽音乐，麻醉人们的听觉，也可以开阔音乐的另一可能。

目前为止，仍让我回味的录音作品有：

1）Beatles 《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》
2）黄磊 《一切从爱情开始》
3）Nirvana 《In Utero》
4）Sebadoh 《III》
5）K.Stockhausen的早期作品
6）Beastie Boys 《Paul's Boutique》
7）Sonic Youth 《Washing Machine》

文字：俊峰（电棒）